Anastase.ch
4, Allée des Artistes — 77200 Torcy
01 64 80 57 08

« Dans une image unissant par exemple la moitié d'un scarabée, un frein de vélo et des tétines de biberon, la synthèse significative est impossible. Dans « mes images », je renvoie à l'objet son indifférence en supprimant le sens qu'il reçoit de la conscience, de par sa mise en scène ou scénario et autres arrangements. Les images qui constituent le "Tableau" ne sont plus organisées par l'unité synthétique de la conscience de l'observateur, qui leur donne cette unité… pour assurer leur signification. Ce qui constitue la synthèse unitaire de la mise en scène est tenu volontairement en échec. Il s'agit de déstabiliser la conscience dans sa perception, donc dans ses sensations et conséquemment jusque dans sa mémoire ; c'est alors l'inexprimable. Provoquent-ils une sensation, émotion… c'est à l'amateur d'art de se sentir concerné ou non dans son intimité. »

Anastase est né à Vichy (Allier - 03). Suite à des études à l'École Nationale des Beaux-arts de Poitiers, en 1967 il est diplômé Art - sciences - lettres. Depuis, il exerce le métier de peintre-sculpteur à temps plein. Sa carrière est ponctuée de nombreuses expositions collectives ou individuelles tant en France qu'à l'étranger - Bologne (Italie), Helsinki (Finlande), Luxembourg, Montreux (Suisse), Sarrebruck (Allemagne). Certaines de ses oeuvres sont dans les collections : Albers Drexel, Carmen Martinez, L. Strouk

Aykaz ARZUMANYAN
email : arzumanyanart@gmail.com
site : www.artarzumanyan.com

Aykaz Arzumanyan est né à Erevan en Arménie. Il passe son enfance au bord de la rivière Hrazdan et au pied du mont Ararat, lieu hautement symbolique. Adolescent, il quitte sa ville natale pour s'installer à Moscou avec ses parents. À l'université d'Etat de Moscou, il suit des études, se spécialise dans le droit de l'art et obtient son diplôme en 1999. Après plusieurs voyages en France, en 2004, il abandonne son métier de juriste, se lance dans le monde de l'art et installe son atelier à Torcy. Il y élabore avec ténacité une technique personnelle qui lui permet d'exprimer un univers plastique qui lui est propre. Aujourd'hui, plasticien et peintre reconnu, il continue à explorer la matière. La technique, qu'il a mis des années à développer, est faite de rigueur. Chaque touche de peinture appliquée avec un couteau sur la toile est très précise. La minutie exceptionnelle avec laquelle il travaille ne se dépare ni d'un certain mystère ni d'empathie.

Michèle AUDUREAU
Allée des Artistes — 77200 Torcy
06 50 85 32 40
email : michelle.audureau@gmail.com

Née en 1955, Michèle Audureau a étudié à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris. Après avoir réalisé un certain nombre de tapisseries dites de « Haute lisse », elle compose des tapisseries cousues et collabore avec des musiciens pour des concerts lectures.

Citons particulièrement :
- La réalisation en 2014, d'une tapisserie cousue pour la compagnie « Les Passeurs de l'Arche », lors de visites théâtralisées au Musée-jardin Albert Khan (Paris).
- La création en 2012, en tissu cousu, d'un alphabet d'inspiration runique, réalisé à l'aide de tissus recueillis sur le rivage à Bali – Indonésie.

2014 : Tapisserie cousue pour le Musée Albert Khan commandée par la compagnie « les Passeurs de l'Arche », lors des visites théâtralisées.
- Depuis 2012, collabore avec des musiciens (pianiste, guitariste) pour des Concerts Lecture.
- Depuis 2013, anime un atelier modelage et textiles pour personnes âgées à Chelles 77.

2013 : Exposition chez Velin à Lagny 77.

2012 : Voyage à Bali. Création sur les Runes avec les tissus balinais récoltés sur le rivage.

2011 : Exposition « Inflexions Musicales » - Dessins de chefs - chez Velin à Lagny 77.

1994 à 1996 : Réalisations de deux murals de 75 m² chacun. A Lognes 77, avec la participation de 300 enfants d'école primaire (grès émaillés). A La Grande Paroisse 77, avec la participation de 100 enfants d'école maternelle (mosaïque).

1995 : Céramiques inspirées du torrent. Décors sur plats, théières. Carreaux anciens.

1985 à 1995 : Créations murales avec la participation d'enfants.

1984 à 1992 : Réalisation de Paravents sur le thème des 4 Saisons.
- Réalisation de « L'Automne » et « L'Hiver », tapisserie haute Lisse.

1983 : Réalisation d'un paravent, technique lirette.

1982 : Diplôme des Beaux Arts - tapisseries cousues.

1981 : Série de dessins sur la gestuelle du chef d'orchestre.

1979 – 1980 : Passe 9 mois en Grèce. Peint la floraison des amandiers. S'inspire des icônes grecques pour composer des tapisseries cousues sur le thème du carnaval.

1978 : Dessine 3 jours et 3 nuits durant le Carnaval de Bâle.

1977 : Entrée aux Beaux-Arts de Paris.
- Modèle de Georges Joubin (8 ans) et de Christian Caillard (2 ans)

1975 : Voyage à Venise. Touchée par la fulgurance de la beauté et de la fantaisie visuelle.

1976 à 2014 : Choriste dans le chœur Montjoie dirigé par Justus Von Websky (Carmina Burana à la Salle Pleyel et au Théâtre de la Ville avec 12 représentations)
- Choriste dans Fondartuel dirigé par Alain Guillouzo (Requiem de Mozart, de Brahms, Missa di Gloria de Puccini à l'église Saint Sulpice, Saint Eustache, Ménilmontant).

Pierre Olivier BALU
email : pobalu@free.fr
site : pobalu.tumblr.com

"Des têtes d'expressions, centrées en pleine page semblent flotter au milieu de formes géométriques. Le contraste entre figures abstraites et visages réalistes, entre fond et forme met en scène la dissociation, la lutte entre l'individu et son environnement. D'un côté la réalité de plus en plus abstraite, quantifiable, régulée, mécanique et répétitive, et de l'autre, notre dimension individuelle, aléatoire et imprévisible. Deux dimensions qui se côtoient, se rejoignent, s'attirent ou se repoussent. Les expressions des personnages traduisent un rapport défiant à l'ordre. Ils invitent à interroger notre monde qui, sous des apparences rationnelles, apparaît bien plutôt incontrôlable, chaotique et aléatoire. Face à ces formes abstraites, aux couleurs dissonantes et contrastées, l'humain, figure centrale de mes dessins, lutte avec colère, désespoir, ou ironie pour trouver sa place."

Pierre Olivier Balu obtient son diplôme de l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris en 2000. Il est en résidence à Rhizome – Ferme du Couvent, à Torcy. Il expose régulièrement son travail depuis 1999, à Paris et en Ile-de-France.

2012 : exposition et performance Artypique au Loft Caprice, ainsi que les expositions Prototype I et II.
2009 : Rhizome – Ferme du Couvent
2005 : participation au Salon de Montrouge.
De 2007 à 2011 : il est membre du collectif Art at Home, et participe aux manifestations L'art contemporain dans la ville, Rhizome – Ferme du Couvent, Torcy.

Nú Barreto
site : nubarreto.com

Les œuvres de Nú Barreto offrent une vision critique du monde. Sur fond de couleur funguli - l'aspect blanchâtre que prend la peau noire quand elle est victimes de carences - des ombres dispersées, chutent dans un espace sans limite où des réseaux de lignes semi horizontales et verticales tentent d'inscrire un espace euclidien. Des phrases, ou des échelles aux barreaux rompus partagent ce même espace .
Nú Barreto est né en 1966 à Sao Domingos (Guinée-Bissao). Diplômé de l'Ecole des Métiers de l'Image des Gobelins (Paris), il vit et travaille à Torcy.

Sa carrière est ponctuée de nombreuses expositions tant en France qu'à l'étranger, telle que l'exposition individuelle Africa : Renversante, renversée, Galerie Nathalie Obadia, à Paris en 2018 ou les expositions collectives Summer exhibition, Galerie Nathalie Obadia, Brussels ; 0.10 RELOADED Avantgarde 2018, Sabine Knust Gallery, Munich, Germany ; Frente. Verso. Inverso, UCCLA, Lisboa, Portugal en 2018 et Contemporary African Art Fair, New York (USA) en 2017.
Son travail est aussi présent dans les collections : Fundação PLMJ, Fundação Pro-Justitiae, Lisbonne et Porto (Portugal) ; Macao (China) ; Museu Capixaba do Negro (MUCANE), Vitória (Brésil) ; Union Economique et Monétaire Ouest Africaine (UEMOA)

Sadia BOUAZIZ
Allée des Artistes — 77200 Torcy
06 17 48 26 62
email : sadia-bouaziz@hotmail.fr
site : sadiabouaziz.ultra-book.com/

« Je suis sculpteur en taille directe, j'aborde la matière sans croquis ni esquisse préalable, en m'inspirant de la forme préexistante. Fragments de corps en décomposition, en train de disparaitre, en voie de transformation, cherchant un équilibre entre différents mondes, à la découverte des empreintes laissées et des chemins parcourus, ma sculpture est un voyage en terre intérieure. Retour aux origines ? Lieu de notre humanité. »
Sadia Bouaziz a étudié la sculpture dans l'atelier de Sylvie Lejeune aux Ateliers Beaux-Arts de la ville de Paris (Glacière).
Actuellement, elle vit et travaille à Torcy (Seine-et-Marne). Elle expose depuis 2010 à Paris.

Expositions collectives :

2016 : Identité ARTiste, Torcy.

2015 : Identité ARTiste, Torcy.

2014 : Salon d'automne, Paris.
Salon de sculptures, Espace Maurice Utrillo, Pierrefitte-sur-Seine 93.
Couleur Jardin, Noisiel 77.

2013 : Salon d'automne, Paris.

2010 : Portes ouvertes, Ateliers de Belleville, Paris.

2008 / 2009 : Portes ouvertes, Ateliers Beaux Arts de Paris, site Glacière, Paris.

2006 : Portes ouvertes, Ateliers Beaux Arts de Paris, site Buzenval, Paris.

Formation :

2006 / 2009 : Sculpture taille directe-Ateliers Beaux Arts de Paris site Glacière.
Atelier Sylvie Lejeune / Nicolas Bulloz
Professeur : Sylvie Lejeune

2005 / 2006 : Sculpture modelage-Ateliers Beaux Arts de Paris Site Buzenval.
Professeur : Françoise Coutant

CHEK
email : contact@hard-deco.com

Si le Graffiti est un exutoire à la violence physique, les quatre lettres de Chek frappent comme un uppercut. Actif depuis une vingtaine d'années, investissant l'espace public de sa signature, il envahit la capitale en suivant les lignes ferroviaires avec pour prédilection la ligne A. Flops, tags, graffiti, Chek, l'effronté comme le rappelle son nom, a toutefois levé le pied suite à des démêlés avec la justice, sans pour autant jamais s'arrêter. Cette quête de lettres parfaites, chimère qu'il touche du doigt, l'a amené à s'essayer à tous les styles avec un égal succès. Chek jongle entre terrains et atelier offrant des œuvres colorées, précises et graphiques se jouant des codes et des formes, comme pour nous dire « Je suis là et j'existe, que cela plaise ou non ».

Claude Hassan
Allée des Artistes — 77200 Torcy
site : claudehassan.over-blog.com
email : claude.hassan77@orange.fr

« La pierre est aussi ce que la pierre n'est pas. »
Claude Hassan 2019

Claude Hassan est née en 1958 à Paris, a étudié à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Actuellement, elle vit et travaille dans la région parisienne. Elle expose régulièrement depuis 1987, à Paris et en province (musées, salons, galeries).

Citons particulièrement sa présence :

2018 : Galerie Olivier Nouvellet à Paris, Galerie Akroma à Paris et Riga( Lettonie)

2017 : Galerie Lionelle Courbet à Paris,
L'arboretum à Argenton sur Creuse et à Akroma à Paris,

2016 : Galerie Lionelle Courbet (Paris),
Exposition collective L'Oiseau, avec Charles Maussion, Antoni Ros Blasco, Pierre Tal Coat et Masao Yamamoto, au CAP (Royan).

2015 : Espace Despalles. Carte blanche à Jean-Pascal Léger, exposition collective avec entre autres, Daniel Pommereulle, Jan Voss, Pierre Tal Coat, Hanns Schimansky, André Marfaing…

2014 : Espace Despalles. Exposition personnelle, carte blanche à Jean Pascal-Léger.
Espace Icare. Exposition personnelle.
Galerie Lionelle Courbet (Paris).

2013 : Galerie Christophe Gaillard, carte blanche à Jean-Pascal Léger.

2005 et 2006 : Galerie Libéral Bruant (direction Louis Deledicq).

On peut voir des reproductions de ses oeuvres sur le site du Viewing Program du Drawing Center, musée situé dans le quartier de Soho à New-York et focalisé sur les dessins.

Ibrahim JALAL
Allée des Artistes – 77200 Torcy
06 64 74 77 74
email : ibrahimjalal.art@gmail.com
site : ibrahim-jalal.com

« Le Jazz et ma peinture. Je suis né dans un milieu qui m'a fait aimer la musique et le chant, le dessin, et les couleurs. Pendant mes études aux écoles des Beaux-Arts à Damas et à Paris, j'ai découvert le jazz et ses rythmes variés, dansants, joyeux. Cela m'a fait aimer la peinture abstraite, car c'est la même liberté que je trouve dans le jazz et dans la peinture abstraite. La liberté d'utiliser les couleurs et les matières de la peinture, et les possibilités de créer et oser aller plus loin. Actuellement, dans les circonstances dramatiques de mon pays d'origine, la Syrie, ça m'arrive de réaliser des peintures expressionnistes, pour sentir ou vivre en profondeur mon appartenance, et témoigner ma compassion à ma famille, mes amis et au peuple Syrien. » Ibrahim Jalal

Ibrahim Jalal est né en Syrie, le 8 décembre 1947. En 1969, il entre aux Beaux Arts à l'Université de Damas. Il obtient son diplôme avec mention en 1973 et arrive à Paris la même année. En 1974, il entre à l'école nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris, dans l'atelier de Gustave  Singier. Il obtient son diplôme avec mention, pour des travaux complètement abstraits, inspirés par les couleurs, l'esprit et les formes d'art de son pays, la Syrie. Depuis, il vit et travaille dans la région parisienne. Marc Albert

Expositions personnelles :

2015 : Galerie Amaré, Stavanger, Norvège.

2013 : Galleri Athene, Drammen, Norvège.

2012 : Péniche Atys, Torcy.

2011 : Frida Hansen Hus, Stavanger- Norvège.

2010 : Kunstforening, Stavanger, Norvège (suite à une résidence de trois mois)
- Rafia Galerie, Damas, Syrie

2009 : Galerie Expressions Libres, Paris.
- Centre Culturel Franco / Norvégien, Stavanger, Norvège.

2008 : Galerie du Crous, Paris.
- Galerie Schroder, Kiersp, Isenburg, Allemagne.

2005 : Galerie (la Galerie), Luxembourg.
- Royal Hôtel, Luxembourg

2004 : Galerie Schroder, Kiersp, Isenburg, Allemagne.

2002 : Salon de Bussy St Martin, Seine et Marne - Invité d'honneur.

2001 : 21eme Salon d'Automne de Pontault-Combault - Invité d'honneur.

2000 : Bénéteau, Paris.
- La maison Buridan, Paris.

1998 : Galerie Claude Leman, Paris.

1993 : Galerie Norestraen, Sandnes, Norvège.

1985 : Markstatte, Konstanz, Allemagne.

1975 : Conservatoire National de musique d'Oslo, Norvège.
- Galerie du Crous, Paris.

1972 : Université de Damas, Syrie.

Expositions collectives :

2015 : « de Natura Rerum » exposition d'art contemporain à Dole.
- 90e salon international d'art de Bourges.

2014 : Salon Réalités Nouvelles, Galerie nationale des Beaux-Arts, Pékin, Chine.
- Voyage et Exposition à Takamatsu, Kagawa, Japon.

2013 : Galerie 8 London, Grande Bretagne.
- Galeri Europia, Paris.

2012 : Galeri Europia, Paris.

2011 : Galerie Court Yard, Dubaï, Emirats Arabes Unis.

2009 : Exposition « Paris - Damas », Musée de Damas, Syrie.

2008 : « Paris Damas », Institut du Monde Arabe, Paris.

2008 : Exposition « Décentrismes », Ostrowiec – Swietokrzyski, Pologne.

1998 : Gallery Arabesques, Heidelberg, Allemagne.

1989 : Sinden Gallery, New York, Etats-Unis.
- Arden Gallery, Boston, Etats-Unis.

1979 : Artistes Syriens en France, UNESCO, Paris.

1978 : Arts Arabes Actuels, Espace Cardin, Paris.

1976 : Festival international de peinture, Cagnes sur mer.

Peintures murales :

Mars 2009 : SOLA. Stavanger, Norvège.

Février 1991 : Sandnes, Norvège.

Sylvie Klein
email : klein-sylvie@wanadoo.fr

Vol au vent
Le calice, pareil à la tulipe, déplie sa robe de dentelle en collerette.
Goûte de la coupe, la rosée du printemps.
Hume l'odeur de la fleur, son haleine de pollen qui parfume.
Est-il temps, Volant, que ta corolle vole au vent ?
Vol au vent est la première pièce d'une famille de 4 fleurs : Vol au vent, œillet, Cheveux de Vénus et Amour en cage

Sylvie Klein, sculpteure
Formée à l'Atelier Public d'Expression à Torcy, avec Mirza Moric, sculpteur et Jean-Claude Anglade, plasticien, à l'E.N.S.B.A de Paris atelier taille directe avec Jean Cardot, sculpteur et à l'Université Paris VIII.
- Créations de sculptures éphémères en forêt amazonienne à Saül en Guyane.
- Participation à des symposiums de sculptures sur pierre (Belgique, Italie, Croatie, France).
- Créations de sculptures en bois, pierre, terre, fer...dans mon atelier à Noisiel.
- Expositions à Identité artistes, Marché de l'art et Carte Blanche à Torcy, salon de Montrouge, Jeune Création et Espace Pierre Cardin à Paris, C.R.A.C à Champigny, Printemps des Paroles à Rentilly...
- Réalisation de sculptures dans le parc du lycée agricole de Courcelles Chaussy (54) avec la collaboration des élèves de seconde.
- Apprentissage du tour à l'Atelier de Paix, lieu magique situé à Magny-Le-Hongre.

Isabelle LEMAIRE
email : isa-lemaire@wanadoo.fr
site : isabellelemaire.wordpresss.com

« Les intentions de l'artiste, comme les explications du spectateurs sont toujours de fausses clés. Elles n'abordent qu'un côté d'une œuvre, elles n'entament pas l'énigme qu'elle est »
Pierre Soulages
Dans sa pratique, Isabelle Lemaire expérimente divers matériaux dont le papier et le carton.
Ses recherches consistent à combiner diverses techniques et à révéler ainsi le potentiel inexploité des matériaux.
De ces interrogations naissent des formes inattendues.
La série intitulée «Étendue» marque un retour visible au geste et invite avec un certain minimalisme à une forme de contemplation.

Isabelle Lemaire est née en 1957 à Paris. Diplômée de l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux arts de Paris en 1979.
De 1987 à 1999 : elle participe régulièrement à des expositions collectives au Grand Palais à Paris.
Jeune Peinture, Réalités Nouvelles, Grands et Jeunes d'aujourd'hui, Biennale des femmes peintres et sculpteurs.
En 1992 : exposition personnelle lui est consacrée à la galerie Jacques Callot à Paris.
Depuis 2008 : elle participe aux Journées Européennes des Métiers d'Arts. Son travail est présenté sur le territoire, dans le cadre d'expositions collectives à Rhizome – Ferme du Couvent : "Jardinistes" 2006 et "Je suis plusieurs" 2013.
Depuis 1997 : Enfin, Isabelle Lemaire est intervenante en arts visuels auprès des écoles et crèches pour la ville de Torcy.

Oscar Lloveras
Allée des Artistes — 77200 Torcy
06 95 54 72 53

email : oscar.lloveras768@gmail.com
site : oscarlloveras.com/

Une partie de l'année ici, une autre là-bas au bout du monde, ou ailleurs... Oscar Lloveras est un artiste nomade. A son image, certaines de ses installations pérégrinent et se transportent, aussi légères que des voiles. Souples, elles se déploient à l'aide de cordelettes et cordages, pour investir un lieu choisi avec précision par l'artiste. Ces installations offrent au regard une étonnante géométrie, dans laquelle les trames composées de cordelettes déterminent des surfaces où les triangles prédominent. Ces surfaces alternent pleins et vides. La couleur y est sensible, du fait des effets de transparence et de superposition des textures et du jeu de la lumière ambiante sur la matière. Conçues et réalisées dans l'intimité de l'atelier, ces installations, par la suite, trouvent étonnamment leur place dans des univers opposés, les espaces de pleine nature ou les lieux urbanisés, en intérieur ou en extérieur. Certaines vont demeurer de façon définitive. D'autres seront repliées et stockées dans l'attente d'une nouvelle occasion de se montrer.
« Ces installations sont les témoins d'une forme d'art en lien avec le lieu et le temps. »

Oscar Lloveras est né à Buenos Aires, en Argentine. Il a étudié à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts et à l'Ecole Nationale Supérieure des Arts de Buenos Aires puis, en 1986, à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris. Enfin, il a étudié l'anthropologie à l'Ecole Pratique des Hautes Etudes de la Sorbonne à Paris.
Actuellement, il partage son temps entre la France et le Japon où, en parallèle de sa carrière d'artiste, il enseigne. Il expose régulièrement depuis 1987 en France et à l'étranger (Japon, USA, Espagne…). Citons particulièrement la présence de ses installations à Kempton Valley – USA – en 2010, ainsi qu'à la Fondation Saint Joseph – Paris – en 2008.

Expositions :

2015 : Galerie Philactère- Limoge-Exposition individuelle.
Galerie Municipale-Torcy.
Tabuchi Stone Gallery-Aji, Japon.
Musée d'Arts et Métiers-Paris.

2014 : « Lille Art fair » - Exposition individuelle.
Exposition Ville de Mioshi, Japon.
Foire de Strasbourg - Exposition individuelle.

2013 : « Biennale de Setouchi, Kagawa », Japon.
Musée de Manno, Japon - Exposition individuelle.

2012 : Exposition Central 7 - Nyoiseau.
Installation, Parc St.Blaise.
Exposition Galerie Tabouchi, Ashi, Japon.

2011 : Installation ville de Aji, Japon.
Galerie Akie Arichi, Paris - Exposition individuelle.

2010 : Installation, Vallée de Kempton, USA.
Kunstown's Gallery, Pensylvania, USA - Exposition individuelle.
Installation, Shinrin Koen, Japon .

2009 : Galerie Akie Arichi, Paris.
Installation, Vallée du Kurozo, Japon.
Galerie Jaqueline Storme, Lille.

2008 : Installation, Fondation Saint Joseph, Paris.
Installation, Ville d'Orono, Japon.
Installation, Galerie de la Cite Internationale des Arts, Paris.
Galerie Jaqueline Storme, Lille - Exposition individuelle.

2007 : Salle d'Honneur, Mairie du 20eme, Paris - Exposition individuelle.
Fondation Saint Joseph, Paris - Exposition individuelle.
Installation urbaine, Parc Edouard Vaillant, Saint-Ouen

2006 : Galerie Akié Arichi, Paris - Exposition individuelle.
EMAC « Centre d'Art Contemporain », Caceres, Espagne - Exposition individuelle.
Installation, Vallée du Jerte, Espagne - Ministère de la Culture.
N&A Gallery, Kamojima, Japon - Exposition individuelle.

2005 : Foire Internationale d'Art Contemporain Arco, Madrid Abierto.
Parc Juvet (Valence) Ministère de la Culture- Installation Urbaine.
Galerie « Arte y Naturaleza », Madrid - Exposition individuelle.
Palais Rihour, Lille - Exposition individuelle

2004 : Galerie Akie Arichi, Paris - Exposition individuelle.
Espace Concorde, Lille - Exposition individuelle.
Art Paris. Foire Internationale.
Estampa, Foire Internationale, Madrid, Espagne.
Installation Urbaine, « Lille 2004 Ville Européenne ».

2003 : Atrium de Chaville - Exposition individuelle.
Pitié Salpêtrière, Paris - Exposition individuelle.
Galerie Jacqueline Storme, Lille - Exposition individuelle.
Biennale de Gravure d'Ile-de-France, Versailles.

2002 : Galerie Akié Arichi, Paris - Exposition individuelle.
Galerie de l'Institut Français de Madrid – Exposition individuelle.
Centre d'Art Contemporain « Le Vivat », Armentières - Exposition individuelle.
Centre d'Art Contemporain de Yokohama, Japon.
Espace Matisse, Lille.

2001 : Galerie Akié Arichi, Paris.
Centre d'Art Contemporain de Hanoura, Japon - Exposition individuelle.
Biennale d'Art Contemporain d'Issy-les-Moulineaux.

2000 : Centre d'Art contemporain Albert Chanot, Paris – Exposition individuelle.
Centre d'Art Contemporain « Zokey », Osaka, Japon – Exposition individuelle.

1999 : Galerie d'Art Contemporain « La Grosse Madeleine », Lille.
Musée Washi, Yamakawa, Japon - Exposition individuelle.

1998 : Centre d'Arts Graphiques de Hong Kong.
Musée du Locle, Suisse.
Foire International des Editions SAGA, Paris.

1997 : Galerie Confluences, Paris.
Galerie Carré, Lille.

1995 : Galerie Bouscayrol, Biarritz.

1994 : Galerie Théorème, Bruxelles, Belgique.
Fondation Charles Chaplin, Estonie.

1993 : Centre d'Art Contemporain « La Ferme du Buisson ».
Galerie Vittokiana, Bruxelles, Belgique.

1991 : Galerie Horizons, Lille – Exposition individuelle.

1989 : Godart's Gallery, Sydney, Australie - Exposition individuelle.

1988 : Galerie des Beaux-Arts, Paris.

1987 : Centre Culturel Coréen, Paris – Exposition individuelle.

Résidences d'artiste :

2008 : Cité des Arts -Ville de Paris.

2004 : Ville de Lille.

2001 : Casa de Velasquez, Madrid, Espagne.

2000 : Centre National de Danse Contemporaine « Le Vivat », Armentières.

1999 : Centre Albert Chanot-Clamart.

Prix :

2012 : Prix de la Communauté Européenne-Loire/ « Atlanterra ».

2006 : Lauréat Ministère de la Culture « Fondation des Hôpitaux de France » Paris.

2005 : Lauréat Ville de Madrid « Madrid Abierto ».

2000 : Prix des Arts Graphiques de la Fondation « J-One Art », Tokyo, Japon.

1999 : Prix de la Ville de Kamiyama (KAIR), Tokushima, Japon.

1994 : Prix de la Communauté Européenne « Strelli », Bruxelles, Belgique.

Commandes publiques :

2016 : Ville de Mioshi, Japon.

2012 : Communauté Européenne « Atlanterra », France.

2006 : Ville de Kamojima, Japon.

2005 : Hôpital Buillion, France.

2004 : Ville de Lille.

2003 : Hôpital Bretonneau, Paris.

2001 : Ville de Tokushima, Japon.

1999 : Ville de Kamiyama, Japon.

Collections publiques :

Fondation Bristol (Buenos Aires)
Ville de Lille
SASEM (Paris)
Musée Albert Chanot (Clamart)
EPSM (Lille)
Ville de Kamiyama
Dourdin SA, France
Hôtel Crowne Plaza, Lille
The University of Edinburgh
Institut Français
Bibliothèque National
Centre National d'Art Contemporain

Publications :

2013 : KANSAI TV, reportage.

2007 : Revue de la Fondation des Hôpitaux de France.

2006 : Journal « Arco-Madrid Abierto ».

2005 : « Ecriture Spatiale » Oscar Lloveras. Fondation des Hôpitaux de France.
Edition Art Dans la Cité-Brettoneau-Paris.
Editon Institut Français de Madrid.
« Yosa Busson - Oscar Lloveras » - CNAP - Editions Arichi.

2004 : Revue d'Art Contemporain « Arte y Naturaleza » Madrid.

2004 : septembre- Intervue Journal « Le Monde ».
« Arte Madrid TV », Reportage.

2003 : « Hommage au Dalai-Lama » Editions Arte y Naturaleza. Madrid.

2002 : « Oscar Lloveras - Gilbert Lascault » Editions Akié Arichi.
France2, « Reportage ».

2001 : « Editions Akié Arichi. Tristan Tzara - Oscar Lloveras » Paris.

1999 : « Magazine pour les Arts, Fondation de l'Industrie (Tokushima)- Japon »
NHK-TV-Reportage-Tokyo.
Artist in Residence, édition annuelle du KAIR-Kamiyama- Japon.

1998 : Oscar Lloveras, Œuvres Récentes - Ville de Lille.

Etudes :

1994-1997 : Ecole Pratique des Hautes Etudes, Antropologie,
La Sorbonne, Université de Paris.

1986-1990 : Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris.

1981-1985 : Ecole Nationale Supérieure des Arts « Ernesto de la Carcova ». Architecture-Art Social, Peinture, Buenos Aires.

1979-1983 : Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts « Prilidiano Pueyrredon » Section Sculpture, Buenos Aires.

Laszlo MEHES
01 60 17 86 98
Allée des Artistes
77200 Torcy

L'artiste Laszlo Méhes a développé son style actuel à partir du début des années 90. Suite à sa période dédiée à l'art conceptuel et à l'hyperréalisme, il a entrepris un travail qualifié de post-hyperréalisme, visant à rendre les représentations plus schématiques et symboliques.
À partir des années 90, il s'inspire de la préhistoire, des arts premiers ou antiques. Dans ses oeuvres, le monde contemporain se présente sous forme symbolique. Par exemple, on retrouve l'ombre projetée d'un personnage, une tablette, un smartphone ou un appareil photo à la main, en train de photographier sa propre ombre sous forme de peinture rupestre.
Il représente aussi des cyclistes ou des motards en silhouettes, comme pour détourner les sujets des peintures rupestres et des vases antiques.
Il travaille également des métamorphoses dans lesquelles un portrait d'un personnage contemporain, suite à différentes phases, se trouve transformé en sculpture d'inspiration africaine. Les oeuvres actuelles de Méhes nous plongent ainsi dans un univers aussi bien actuel qu'intemporel.

Quelques expositions personnelles :

2013 : Villa Cathala, Noisy le Grand, Ile-de-France.

2000 : Rhizome, Ferme du Couvent, Torcy, Seine-et-Marne
Institut Hongrois, Paris

1998 : Salon d'Automne, Box L. Méhes, Espace Eiffel, Paris.

1992 : EuropArt, Genève, Suisse.

1989 : Galerie Asaga, Galerie Ghinza, Tokyo, Japon.

1988 : Galerie Rié, Tokyo, Japon.

1986 : Espace Lyonnais d'Art contemporain, Exposition Banques et Sociétés Humaines Il.

1985 : Salon d'Epargne, Paris. Porte de Versailles, Exposition Banques et Sociétés.
Humaines I.

1983 : Cité Internationale des Arts, Paris.

1979 : Galerie Liliane François, Paris.

1973 : A.R.C. Musée d'Art de la Ville de Paris.

1968 : Institut de Planification Industrielle, Budapest, Hongrie.

Quelques expositions collectives :

2015 : Galérie Maklary exposition : Csernus, Sandorfi, Mehes. Budapest, Hongrie.

2011 : Musée Ludwig : Exposition internationale de l'Hyperréalisme.
« À l'est d'Eden ». Budapest, Hongrie.

2009 : Art Expresse : Berlin-Budapest.

2006 : « Le chemin » Palais des Arts, Mucsarnok. Budapest, Hongrie.

2003 : Musée Ernst : Les années 60. Budapest, Hongrie.

2000 : Collection Kormendy-Csàk. Budapest, Hongrie.
À partir de 2000 « Bain d'eau tiède » est exposé à la Galerie Nationale Hongroise dans la section permanente du XX ème siècle..

1999 : Galerie Nationale Hongroise, « Adieu au XXème siècle ».
« Un Regard sur l'Art Grouppe », HEC, Jouy-en-Josas, Ile-de-France.

1998-99 : Salon de Printemps de Bussy-St-Martin, Ile-de-France.

1998 : Musée de Szombathely : « La premiere génération des Neo-avant-gardes Hongroises ».

1997 : Palais des Arts Mücsarnok Helyzetkép, Budapest, Hongrie.

1996 : Salon d'Automne, Espace Tour Eiffel, Paris.

1995 : Biennale d'Art Présent d'Arras et Bruay-la-Buissière.
Galerie Jean Castel, Paris.
Galerie Arcanes, Dijon.

1994-95 : XXIXème Prix International d'Art Contemporain de Monté-Carlo, Fondation Prince Pierre de Monaco.

1993-94 : Variations sur le Pop-Art, Musée Ernst, Budapest, Hongrie.

1993 : Galerie Nationale Hongroise, Nouvelles Acquisitions, Budapest, Hongrie.

1992-93 : Galerie Jean Castel, Paris.

1992 : Figuration Critique, Biarritz, France.

1991 : Fondation Ludwig, Galerie Nationale Hongroise, Budapest, Hongrie.
Figuration Critique, Fondation Santillana, Espagne.
Figuration Critique, Saint Pétersbourg.
Biennale du Groupe l09, Paris.
Figuration Critique Musée Tretiakov, Moscou.

1990 : Galerie Dmochowsky, Paris.

1989 : Figuration Critique : Anvers, Belgique.
Hommage à IPARTERV.
Figuration Critique, Pise, Italie.

1988 : Acropolis, Signes, Schémas, Images. Nice, France.
Musée d'Art Contemporain de l'Institut Supérieur des langages de I'Art Plastique, Bruxelles, Belgique.

1987 à 1989 : Salon de Bouffémont, Ile-de-France.

1987 : Salon de la Figuration Critique, Galerie Worpal, San Francisco, USA.
Centre Georges Pompidou, Cartes Blanches à l'occasion de son l0ème anniversaire.

1987 à 1990 : Salon de Marne-la-Vallée, Noisy-le-Grand, Ile-de-France.

1985 : Salon de Maisons-Lafitte, Grand Prix. Ile-de-France.

1982 à 1995 : Salon de Figuration Critique, Grand Palais, Espace Tour Eiffel, Paris.

1982-83 : Cité Internationale des Arts, Paris.

1982 : Fond d'Art Contemporain du limousin, France.
Jeune Peintre, Jeune Expression, Paris.
Galerie Marcel Berheim, Paris.
Salon de Montrouge, Ile-de-France.

1980 : Goteborgs Konstmuseum, Suède.

1979 : Galerie Liliane François, Paris.

1977 : Galerie Lometsch, Kassel, Allemagne.

1975 : Musée d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris. Nouvelles Acquisitions.

1974 : Biennale de Menton, Alpes-Maritimes, France.
AARP, Paris.

1973 : Galerie Liliane François, Paris.
AARP, Paris.

1972 : Manipulation du Réel, Pujols, Lot-et-Garonne.
Galerie Quatre Mouvements, Paris.
Galerie Lora Vincy, Paris.

1971 : Biennale de Paris.

1969 : Institut de Planification Industrielle - Grouppe IPARTERV, Budapest, Hongrie.

Réalisations de films d'animation :

1979 : Andras Kisfaludy et Laszlo Méhes : « Summa summorum ». Studio de Films Pannonia, Budapest, Hongrie.
Andras Kisfaludy et Laszlo Méhes : « C'est le n°7 ». Studio de Films Pannonia, Budapest, Hongrie.

Les œuvres de laszlo Méhès se trouvent dans les lieux publics d'art suivants  :

Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris ; Fondation Nationale Française d'Art Contemporain ; Galerie Nationale Hongroise, Budapest, Hongrie ; Musée d'Art Moderne de Pécs, Hongrie ; Musée de Szombathely, Hongrie ; Musée lajos Hatvany, Hongrie ; Fondation d'Art Contemporain du Limousin, France ; Fondation Ludwig, Galerie Nationale Hongroise, Budapest, Hongrie ; Fondation de l'Association des Amis du Centre Georges Pompidou, Paris.

Commandes les plus importantes :

1991 : Réalisation d'un grand panneau pour les Laboratoires Pharmaceutiques Boucharo.

1987 : Réalisation d'un tableau pour le l0ème anniversaire du Centre Georges Pompidou.

1986 : Réalisation de 15 toiles pour une exposition de l'Association Française des Banques, Banques et Sociétés Humaines.

Biographies :

2015 : European Diplomacy & Economies. Revue.

2012 : « À l'est d'Eden » Musée Ludwig, Musée Contemporain, Budapest. Catalogue.

2006 : Third text London / London.

1999 : Uj Müvészet (1999/07). Article.

1993 : La Marne (04/08). Article.
France-Soir Est (27/09). Article.

1992 : La Marne (09/04). Article.
France-Soir Est (24/02). Article.

1987 : Editions du Centre Georges Pompidou «Cartes Blanches», catalogue.

1985 : Editions de l'Association Française des Banques, catalogue.

1982/92 : Editions de Figuration Critique, catalogue.

1978 : Interpress Graphique.

1974 : Editions de la Biennale de Menton, catalogue.
Studio International of Modern Art n°3, revue.

1973 : Opus International Volume 44/45.
Art Press (06/73)

1973 : Art International, the Lugani Review, vol. XVll/6.

Mirza MORIC
site : www.mirza-moric.org

« Dans le lumineux atelier qui abrite ses oeuvres et où flotte comme un brouillard de pierre, défilent ainsi devant nous de monstrueux et paisibles poissons venus du fond des âges, de curieux oiseaux au long bec en croissant de lune, des chevaux aux naseaux frémissants, tout un bestiaire allant jusqu'aux insectes, un inépuisable répertoire de formes vivantes qui cohabitent avec harmonie. Ici et là, on voit encore d'étranges excroissances en forme d'œuf – une vie à éclore – ou de coquillage – une vie cachée – mais c'est toujours la vie qui apparaît, qui sourd de la pierre ou, quelquefois, du bois de fer. Mirza nous offre un monde où l'homme n'a pas encore asservi les autres créatures, où toutes ont leur place. Un monde de liberté et de paix, sans prédateur ni violence, où la vie s'épanouit sans entrave, ou la mort n'existe pas encore. Un monde idéal. Partout, des formes puissantes, sûres d'elles, s'y étirent ou se gonflent. Des courbes douces, pas d'arêtes vives, rien qui tranche ou qui blesse. Tout le contraire de notre monde, artificiel, anguleux, mécanique et brutal. L'art de Mirza Moric est un art des commencements, un art premier, optimiste et souriant. Il nous incite à espérer, à croire en la vie, à comprendre qu'elle est multiple, foisonnante et belle, et qu'elle mérite d'être aimée. C'est une leçon de bonheur simple et vrai. »
Jean Raffin

Rudi MÜNGER
site : hr.munger@gmail.com

Transfert – Trans - fer ?
« Si au fil du temps, la gravure en taille-douce est devenue mon mode d'expression de prédilection, - impliquant les multiples techniques, et un certain aparté d'alchimiste … ,  j'étais ces dernières années amené à faire des observations et des travaux visant de près le « phénomène de l'empreinte », tout en me rapprochant de son sens primitif et archaïque du transfert, soit le report d'une matière colorante d'un support à l'autre par contact direct. A la recherche d'un « plus de naturel » dans le dessin et le traitement des plaques à graver, le choix du fer s'est imposé, - qui par incidence, me fait redécouvrir un colorant chatoyant : l'oxyde de fer, avec des champs d'application nouveau. Des essais les plus divers se sont réalisés dans le clos de l'atelier, sans penser du devenir d'un produit bien défini, donc exposable. J'espère ici réussir en communiquant un peu de cette passion. »
Rudi Münger

Fabien NOIROT
email : contact.noirot@gmail.com
site : fabien-noirot.myportfolio.com/

Fabien Noirot crée des bibelots kitsch, « façon Palissy », qui sont façonnés par modelage ou tablette graphique et recouverts de cire colorée évoquant l'émail. Il revisite l'ambigüité des moulages sur nature dits « retouchés » dont on ne sait jamais dire quelle est la part entre l'empreinte naturelle, son moulage, et sa part modelée, l'interprétation. Sa technique combine le modelage, le moulage, le scan 3d, le « camera mapping » (extrapolation 3d à partir d'une image). Il ruine ainsi la possibilité de connaître la nature exacte du modèle original ou de sa source la plus crue sur internet. Ses bibelots, comme les bibelots entassés sur la cheminée, sont chargés de souvenirs inaccessibles au spectateur. Cette mise à distance est son moyen d'opérer un échange symbolique et privé, à la manière d'ex-voto en cire, contre le flux incessant et violent des images contemporaines. Il souhaite susciter une réflexion sur la banalisation indifférenciée des images et des sources.
Ses références principales sont Christian Boltanski et Adel Abdessemed.

Né en Avignon (1977), Fabien Noirot vit et travaille en Ile-de-France. Diplômé en arts plastiques, chercheur associé au Centre d'Histoire des Sciences et des Techniques de Liège, membre de la Société Française d'Histoire de la Médecine, il poursuit une thèse (2016) à l'Ecole du Louvre sur la littérature technique des Livres des secrets à partir du 16ème siècle et la notion de "retouche" dans le moulage sur nature.
L'exposition À Fleur de peau - Le moulage sur nature au 19ème siècle (Orsay,2002) a été le point de départ d'une étude sur les techniques du moulage sur nature pour révéler la typologie d'un modelage secret à partir du 16ème siècle.
Ses influences vont des sculptures de Palissy à celles d'Abdessemed. Son intérêt réside dans le naturalisme et le moulage sur nature qu'il revisite avec les nouvelles technologies.

Loïc PERSON
email : loic.person@free.fr
site : Loicperson.com

Flux
« Explorer ​ l'erreur, "les erreurs sont les portes de la découverte" disait James Joyce.
J'approche une nouvelle fois un domaine qui me hante depuis bien des années, l'idée du flux /reflux et de l'énergie vitale, du brouillage et du confondant, du jeu par le numérique ou pas : un palimpseste*…
Mes images sont le résultat de reprises continuelles, successions de retouches et de grattages, où les motifs figuratifs finissent par se dissoudre dans l'amas de la matière fragmentée. Mais aussi laisser transparaître les couches antérieures pour accroître ou feindre les réseaux de signification dans l'image.
Comme en peinture, cette série s'inscrit dans sa manière de les travailler.
D'en essayer les possibilités plastiques, graphiques, narratives et de révéler par là des ressources de sens et d'émotions. »

*Dans l'Antiquité Gréco-latine, on appelait ainsi un manuscrit dont le scribe avait effacé le premier texte pour en écrire un autre.

Loïc Person est né en 1964. Diplômé de l'École nationale supérieure des beaux-arts de Paris, Ensb-a.
Il expose depuis 1990, en France, et à l'étranger (Italie, Irlande, Pays-bas, Chine, Japon...). Enseigne en école d'Architecture et de Design.
Depuis une quinzaine d'années, anime l'atelier de Dessin-peinture de Rhizome (MJC A. Philip) à Torcy.
Artiste multi-médiums, j'utilise principalement la photographie, la peinture et le dessin. Je m'emploie à mettre en forme une réflexion à la fois poétique et sensible sur la relation intime entre le processus sur le vivant et les hybridations culturelles, le monde physique et le monde numérique ainsi que sur le pouvoir de l'observation de la nature afin de révéler les potentiels de la réalité.

Rafif RIFAÏ
email : rafif.jalal.rifai@gmail.com

« Un homme de leur village avait été emmené et jeté en prison parce que jugé trop croyant et que le régime ça ne lui convenait pas. Pas assez soumis ou pas assez avili à leur goût. Ils avaient décidé qu'il ne méritait pas de vivre au grand air, avec sa famille et ses bien aimés. Ils l'ont incarcéré, torturé, affamé. Puis il fut rendu à sa famille des années plus tard, inerte, mort. Mais portant la même chemise qu'il avait le jour de son arrestation. Elle était toute rapiécée, pleine de petits morceaux cousus, raccommodés au fil des nuits et des jours sombres . »

Rafif Rifaï est née à Damas – Syrie. Elle est diplômée des Beaux-Arts de Damas en 1973, et des Beaux-Arts de Paris en 1980.
Elle est depuis 2012 très engagée pour faire connaître la Syrie et sa révolution.
Ces expositions personnelles :
En 1981 : le Centre Culturel Français de Damas.
En 1977 : des artistes syriens à l'Unesco.
En 1976 : la Cité Universitaire de Paris.

Citons aussi sa participation à des expositions collectives telles que :
En 2004 et 2006 : Parcours d'Artistes, Salon de Pontault-Combault (77).
En 1992 et 1986 : Salon des Arts plastiques de Noisy-le-Grand (94).
2010-2011 : professeur au Lycée français Charles-de-Gaulle à Damas – Syrie.
Depuis 2016 : Identité Artiste à Torcy.
Ses œuvres sont dans des collections particulières aux USA, en Syrie et en France.

Erolf Totort
www.facebook.com/Erolf.Totort.Iconograffite
email : erolf.totort@free.fr

Erolf Totort artiste polymorphe, poursuit son travail autour de la préhistoire. Cette année après une résidence d'écriture au Musée de l'Homme de Neandertal à La Chapelle aux Saints en Corrèze, où elle a écrit son nouvel opus " L'herbier d'Ava", elle s'est consacré au dessin, puis à la peinture avec ce qu'elle appelle "Germination". Se jouant de l'apesanteur, elle fait germer la peinture et nous emmène à rêver dans les herbes folles.
Elle présente une sélection de cinq toiles : "Germination sur une journée", ainsi que son nouveau livre :
"L'herbier d'Ava, Femme de Cro-Magnon" Éditions Points de suspension - 2019. 

Dans la même collection aux Éditions Points de suspension
"Le Journal d'Ava" 2014
"Le bestiaire d'Ava" 2016
"Je rêve de toi" 2018

Linda SUTHIRY SUK
email : lindasuthiry.suk@gmail.com
site : lindasuthirysuk.com

"Ce qui se voit ne peut-être perçu " "Mon travail autour du flou interroge l'intransigeance de ce regard. Le flou est ici l'espace du gris, un espace intermédiaire, incertain. Le sfumato, né autour de la Renaissance, n'ordonne pas mais disperse, ventile, vaporise le monde et laisse le spectateur dans un entre-deux où les contours se mêlent à l'espace environnant. Le regard glisse vers le ténu, l'instabilité. Le flou devient une autre manière de voir.
Regard caressant, il interroge le visible par ses frontières approximatives. Réalité qui se donne et se dérobe à la fois. Artiste plasticienne d'origine cambodgienne, mon travail s'élabore autour de médias aussi variés que l'installation, la vidéo, la photographie et plus récemment à travers des oeuvres multimédias."
Mon histoire personnelle a été marquée par l'exil. Cette perte originelle d'images (famille, mémoire, langue) est constitutive de mon travail artistique comme quête d'une réminiscence. Mon travail n'est pas de créer des images à la place de ce manque, mais d'exploiter ce manque comme espace projectif pour la création. Que faire lorsque l'on a perdu ses images ? Que faire du vide laissé par leur absence ?"

Linda Suthiry Suk est née en 1970 à Phom Penh – Cambodge. Elle est diplômée de l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Déco (ENSAD) en 2006 et de l'Ecole Nationale Supérieure d'Art de Cergy-Pontoise en 1996. Elle expose régulièrement en France et à l'étranger.

Citons les expositions :
En 2015 : Fluids Pages/Siem Reap – Cambodge.
En 2014 : Accident(s) Rhizome – Ferme du Couvent à Torcy.
Projet CCC – Daughter en partenariat avec la Gaité Lyrique - Paris.
Enfin, Linda Suthiry Suk est professeur d'enseignement artistique à l'Ecole d'Art du Beauvaisis – Beauvais.